io audio recordings (US) interview

io audio recordings

THE HARMONIC DISTORTIONS’ GUIDE TO THE GALAXY

di Giampiero Fleba

 

Una vera sorpresa immersa nel multiverso Bandcamp e avvolta da confezioni misteriose, codici, splendida musica. Qualcosa che si esprime in linguaggio space rock ad intensità psych-shoegaze chitarristica freakbeat-fuzzriverberata, che danza al ritmo di un irresistibile motorik krautrock e fluttua in frequenze elettroniche. Consistente nel tempo. Perchè con una discografia autoprodotta di 5 album non è più possibile trascurare io audio recordings ed il suo ideatore Jonas Laster da Orange County, California. L’ultimo lavoro da poco pubblicato è “A Guide to Drowning”, un viaggio nelle cinque dimensioni di ‘Wolf Spider Jr.’, Phase Transitions’, ‘The King of Sunlight’, ‘Just to Keep You Awake’ e ‘A Guide to Drowning’. Uno spazio in cui scorgere il battito 4/4 dei Neu di ‘Hallogallo’, gli sciami distorti dei Loop di ‘Radial’ e degli Spacemen 3 di ‘Revolution’, le percussioni tribali di ‘Moonset’ dei Flying Saucer Attack ma soprattutto idee di musica dinamica, contemplativa, sperimentale, poliritmica dove l’azione plasmante degli agenti sonici è una variazione continua. Una vera sorpresa anche parlarne con Jonas Laster in questa piacevole conversazione a distanza. Coinvolgente nel suo procedere a partire da quando tutto ebbe inizio…

JL (ioar) Sono sempre stato attratto dal suono e dalla musica sin da quando ero bambino. Uno dei miei giocattoli preferiti era un registratore a bobina e ho iniziato a imparare a suonare la tromba a 8 anni. Ricordo che in realtà volevo imparare a suonare il trombone ma le mie braccia non erano abbastanza lunghe! Poi verso i 17 anni decisi di voler suonare il basso e non molto tempo dopo durante il liceo entrai a far parte della mia prima band Late to Church, una band di sole cover con una scaletta piuttosto eclettica. Tutto è finito quando ci siamo diplomati e siamo partiti per il college. La mia prima band al college si chiamava Sunshine Truck, dove suonavo ancora il basso e cantavo. Ricordo che in quel momento qualcuno ci paragonò ai Killdozer. Ad un certo punto i Sunshine Truck si sciolsero e successivamente ho avviato Gravity Throttle con un paio di miei amici, dove suonavo la chitarra e cantavo. Fu durante questo periodo che iniziò la mia storia d’amore con gli effetti per chitarra e non è un caso che questa sia stata la mia prima escursione in un suono di tipo psichedelico / fuzz. Eravamo grandi fan di Loop / Spacemen 3. I Gravity Throttle pubblicarono un singolo 7″ per l’etichetta Piece of Mind e poi si sciolsero poco dopo. Dopo di che ho avviato Eighth Cranial Nerve con un altro gruppo di amici. Usavamo ancora una quantità generosa di effetti per chitarra, ma avevamo un suono più semi-dissonante forse simile a Sonic Youth. Abbiamo pubblicato un singolo 7″. Fu durante questo periodo che mi interessai molto di musica sperimentale, avant-garde, drone, ambient e ‘io’ nacque da questo. Ho pubblicato una cassetta come ‘io’ e poi tutto si è fermato quando mi sono trasferito in Cina dove ho vissuto per un anno.

Al ritorno mi sono sentito davvero disconnesso dalla comunità musicale poiché la maggior parte dei miei amici si erano allontanati o avevano smesso di suonare. Quindi da quel momento in poi tutta la mia produzione musicale è diventata solo un’avventura solista. Stavo ancora su ‘io’ che era il mio progetto più ambient / sperimentale e avevo creato 10.000 Volt Ghost che è più vicino al mio suono attuale come io audio recordings, probabilmente perchè stavo iniziando ad imparare il software di registrazione e ad utilizzare lo studio come strumento. È stato durante questo periodo che il mio interesse per la sperimentazione sonora ha dato i suoi frutti nel trovare un lavoro come sound designer per una società di videogiochi che produce voci per creature, suoni per incantesimi magici, atmosfere per mondi, ecc… È ancora quello che faccio per vivere fino ad oggi. Nel frattempo nacque anche la mia amicizia con Brian Lucas (Mirza, Dire Wolves, One Million Eye) che all’epoca viveva in Thailandia. Sia Brian che io siamo cresciuti nella stessa zona e di conseguenza abbiamo avuto alcuni amici in comune, uno dei quali mi ha incoraggiato a entrare in contatto con lui perché condividevamo interessi simili. Così ho fatto e Father io è nato prima come risultato di scambi di registrazioni via Internet e poi da sessioni di improvvisazione quando Brian è tornato negli Stati Uniti e ha vissuto a pochi isolati dal mio appartamento. Alla fine Brian si stancò di Orange County CA e si trasferì a Oakland dove divenne un membro dei Dire Wolves e continuò il suo progetto Old Million Eye così come i suoi dipinti eccellenti.

Finalmente pubblicai la versione finale della performance al Orange County Center of Contemporary Art con il moniker io. Si chiamava “At Land” ed era contenuta in una scatola di legno che era stata marchiata con la copertina dell’album e poi avvolta con una tela e una lamina di rame. Questa è stata la mia prima incursione nello special packaging. Dopo di che, ho smesso di lavorare sulla musica per un pò e mi sono concentrato sulla mia carriera. Un paio d’anni dopo ho avuto voglia di fare di nuovo musica. Tuttavia questa volta, invece di tenere in qualche modo separate le mie inclinazioni rock e quelle sperimentali, ho deciso che volevo trovare modi per combinarle. Da qui è nato io audio recordings.

Cosa ha generato l’idea di suonare come one man band?

JL (ioar) Suonare come one man band non era tanto un’idea quanto solo il prodotto di come stavano le cose in quel momento. Quando sono tornato dalla Cina non avevo più davvero contatti musicali. Mentre prima oltre a suonare avevo anche lavorato come manager / responsabile acquisti in negozi di musica indipendenti locali e come tale ero entrato in contatto con tutti i tipi di persone coinvolte nella musica in un modo o nell’altro. A quel tempo era molto più facile trovare persone con gusti musicali simili ai miei, il che è una cosa importante qui dove vivo perché questo tipo di persone è altrimenti difficile da trovare. La maggior parte vuole solo fare la cosa rock standard, la cosa punk, ecc… e va bene. Mi piacciono quelle cose. Semplicemente non sono ciò che voglio perseguire. Quindi fondamentalmente suono da solo perché non conosco nessun altro che vive nella zona e vuole suonare il mio stesso genere di musica.

Il nome io audio recordings è piuttosto suggestivo, c’è un significato particolare tipo input / output o inner / outer?

JL (ioar) io audio recordings nasce dal nome ‘io’, che mi è venuto molto tempo fa e mi è rimasto impresso proprio perché non aveva un significato unico. Io è una luna di Giove. Ci sono i riferimenti a input / output e inner / outer che hai menzionato. La linea e il cerchio sono stati usati come simboli per i principi maschili e femminili in alcune tradizioni. Gli interruttori di alimentazione su molti dispositivi sono contrassegnati con “I” e “O” per rappresentare on / off. L’elenco potrebbe continuare. Più ho scoperto, più mi è piaciuto e così il nome ‘io’ è rimasto. Ho deciso che con ‘audio recordings’ sarebbe stato più accurato perché sentivo che il mio output musicale corrente era diverso dal passato. Avevo anche scoperto che ‘io’ veniva utilizzato da almeno un paio di altre band in quel momento, inoltre ‘io’ era un pò impossibile da cercare e davvero mi piaceva il suono io audio recordings. È stato interessante e diverso per me e ho mantenuto quel senso di ambiguità che mi piace.

Cosa ha ispirato il tuo interesse a sperimentare in direzioni krautrock, psychedelia, shoegaze e space rock?

JL (ioar) Onestamente, non ho mai davvero deciso di sperimentare in quelle direzioni. Ciò che faccio è solo un’estensione delle pulsioni che ho avuto sin dalla prima infanzia. Sono sempre stato interessato alle cose strane e surreali. Da bambino, i miei libri preferiti erano enciclopedie e libri d’arte ed è stato attraverso cose come quelle che ho scoperto persone come Salvador Dalì e l’arte psichedelica degli anni ’60 con attrazione immediata. Musicalmente parlando, ricordo fin da giovane di aver concepito il rock and roll come una vera via d’uscita, una cosa folle. Non so da dove provenga perché non avevo davvero molta o nessuna esposizione al rock and roll. I miei genitori avevano solo un disco rock nella loro collezione: “Meet the Beatles”. Tutto quello che so è che l’ho cercato attivamente. Volevo davvero trovare e sperimentare questa cosa che, per quanto posso ricordare, è il prodotto del mio amore iniziale per l’arte surrealista / psichedelica fuso con la mia immaginazione molto attiva. Quindi all’inizio era quel disco dei Beatles e stranamente alcuni dischi di Martin Denny che avevano i miei genitori perché c’erano questi strani rumori della giungla. Ma onestamente è stato solo quando da adolescente ho ascoltato il primo disco di Van Halen e “Highway to Hell” degli AC / DC, che mi sono sentito come se avessi incontrato per la prima volta qualcosa che stava davvero iniziando a combaciare al mio ideale di rock and roll e penso che ci siano due ragioni per questo. Innanzitutto perché sono molto attratto dai riff. Penso di essere molto più attratto dal ritmo che dalla melodia. Secondo, sono molto, molto attratto dal suono delle chitarre distorte. Ancora oggi la chitarra distorta è il mio suono preferito. Adoro la distorsione in generale, ma per me è meglio se applicata a una chitarra. In ogni caso quello che mancava sempre era che la musica fosse “psichedelica”. Mi ci è voluto molto tempo per trovare finalmente la musica che avesse quel senso e a sentire di aver trovato quello che stavo cercando è stato quando ho ascoltato per la prima volta Loop e Spacemen 3. È stata una rivelazione, il culmine di tutto ciò che stavo cercando attivamente in quel momento: chitarre distorte, riff, ma anche un senso di sperimentazione e spazio che mancava in tutto ciò che avevo sentito prima. Sono anche un grande fan di Flying Saucer Attack e ho avuto la fortuna di scoprirli presto quando è uscito il loro primo disco. Secondo me è un ottimo esempio di come non sia necessaria una produzione professionale e raffinata su un disco perché suoni bene. Registrazioni a 4 tracce / lo-fi possono evocare un’atmosfera o una sensazione che è completamente appropriata in alcune situazioni. I primi album di Zoviet France sono un altro buon esempio.

In effetti la tua musica riflette echi di grandi band inglesi come Loop, Spacemen 3 (e successive propaggini) che hanno reinventato il suono psichedelico negli anni ’80. Pionieri della sperimentazione shoegaze e drone rock di straordinaria attualità. C’è anche qualcosa di americano nel tuo suono? A tratti mi ricorda lo stile chitarristico di Helios Creed..

JL (ioar) Sono un grande fan di Helios Creed / Chrome anche se l’ho scoperto negli anni ’90, in cui seguivo molto le uscite Amphetamine Reptile Records. Ascoltando “The Last Laugh” rimasi immediatamente sbalordito. Un album che mi ha mandato in viaggio per raccogliere tutto ciò che potevo, ed è questo che mi ha portato ai Chrome. Ma davvero ciò che suono si fonda su questi tre principi base: chitarre distorte, riff e sperimentazione, tre cose che sembravano adattarsi meglio a questo tipo di ispirazione che avevo da ragazzo. Gli stili musicali a cui fai riferimento erano tutte cose in cui gravitavo perché in qualche modo si conformavano a ciò che sentivo nella mia testa da molto tempo, e quegli stili di musica certamente mi hanno aiutato a ispirarmi in modi più concreti di quanto forse la mia immaginazione avesse offerto, ma non ho mai deciso consapevolmente di fare musica in una particolare categoria o stile. Alla fine ho deciso di creare ciò che mi sembra giusto.

Come fluisce il tuo stile chitarristico nel lavoro di assemblaggio che plasma la tua musica durante le fasi di registrazione?

JL (ioar) Principalmente mi considero un chitarrista. Come ti dicevo, la chitarra distorta è il mio suono preferito al mondo. Tuttavia, quando si tratta di fare la mia musica metto in gioco tutti i suoni. Userò sintetizzatori, campionatori, field recordings, qualsiasi cosa. Onestamente prendo alla lettera il detto “Questa è musica per le mie orecchie”. Per quanto riguarda il mio processo di registrazione, questo è un argomento davvero importante. Cambia continuamente su basi suonate / registrate che mi coinvolgono ma è davvero difficile entrare nei dettagli. Quella sorta di “muzak” alla fine di The King Of Sunlight’ è una registrazione che ho fatto di una banda musicale del liceo attenuando il tono, aggiungendo voci e quindi un suono lo-fi equalizzato. La chitarra balbettante in ‘Just To Keep You Awake’ è un mio riff distorto attraverso un repeater effect. Potrei andare avanti all’infinito. Utilizzo tantissime tecniche che si succedono nel corso di ogni canzone.

Hai un tuo studio e ti occupi personalmente della creazione e della realizzazione dei tuoi lavori?

JL (ioar) Sì, ho un piccolo studio modesto qui a casa mia per registrare e quando dico piccolo intendo piccolo! Non potrei mai inserire una band completa, ma va benissimo solo per me. Ho anche uno studio / laboratorio in garage, dove realizzo tutte gli artworks per le copertine come le versioni in edizione limitata su chiavetta USB.

Puoi parlarmi dei tuoi 4 album precedenti, del loro percorso creativo e di come li percepisci ora?

JL (ioar) Tutti i miei dischi precedenti condividono lo stesso percorso creativo seguito da “A Guide To Drowning”. Cioè, colgo solo idee generali da una canzone all’altra e poi tendo semplicemente a seguire i miei istinti / emozioni fino a quando non finisco e passo alla canzone successiva. Volevo incorporare un pò di sound design in una canzone, quindi ho creato l’inizio di ‘Distortion Filter vs. Reality’ e poi il resto della canzone si è formato organicamente attorno a questo. Volevo davvero mostrare il mio amore per i droni, e mi piaceva il concetto di avere la tipica struttura di una canzone come una sorta di metamorfosi in un drone e che è diventata Passed Out In The Psychic Yard’. Non scrivo davvero canzoni con l’intento di farne qualcosa “a proposito”. È molto più vago di così. Di solito inizio a voler esprimere uno stile musicale che non ho abbracciato da un pò o inizio con un’idea di elaborazione che ho avuto. Quindi le canzoni si formano organicamente da questo. Non è raro che una canzone si allontani completamente dall’impulso originale perché il mio istinto / i miei sentimenti hanno iniziato a portarlo altrove o perché si verifica una scoperta inaspettata o una felice coincidenza e questo mi ispira in un modo completamente diverso. La linea di fondo è che si tratta solo di seguire il mio istinto, ma anche di osservare e sfidare quel sentire.

In cosa differiscono tra loro questi albums?

JL (ioar) Dove gli album precedenti differiscono è in termini di valore della produzione. All’inizio volevo solo scrivere canzoni e non volevo davvero preoccuparmi molto della qualità della registrazione o altro. Questo è particolarmente vero per “2015”. Avevo scritto 20 canzoni in un anno per quell’uscita, quindi ovviamente non ho passato molto tempo a cercare di perfezionare la produzione su quelle. Inoltre, ad essere onesto, non immaginavo che qualcuno stesse davvero ascoltando comunque se non una piccola cerchia di amici, quindi che importanza aveva? Ero consapevole del risultato finale e volevo solo prendermi una pausa.
Tuttavia, le cose sono cambiate quando a un certo punto ho scoperto che una delle mie canzoni faceva parte di un podcast uscito in Grecia. Fu allora che ho iniziato a capire che forse non era solo una piccola cerchia di amici ad ascoltare. Ecco qualcuno che non conoscevo, qualcuno che viveva dall’altra parte del mondo che aveva scoperto le mie cose. Inoltre, ascoltando il podcast è stata la prima volta che ascoltavo la mia musica inserita tra le canzoni di altri artisti e mi suonava semplicemente orribile. Sembrava così debole in confronto. Quindi è stato a quel punto che ho deciso di cambiare. La prima versione che mostra pienamente questi sforzi è “A Guide To Drowning”. È parte del motivo per cui quella particolare versione ha richiesto così tanto tempo per essere pubblicata. Ho passato un’oscena quantità di tempo a imparare davvero come presentare al meglio le mie cose. Ho commesso molti errori lungo la strada, ho mixato e rimixato canzoni una quantità folle di volte, ma alla fine ho imparato molto su come mixare tutte quelle chitarre (che è notevolmente diverso dal mixare una manciata di suoni brevi per il mio lavoro come sound designer) e sono abbastanza soddisfatto del risultato. La speranza è che ora ho un’idea migliore di ciò che sto facendo, la prossima versione non richiederà così tanto tempo.

Come hai concepito “A Guide to Drowning”? Il titolo suggerisce qualcosa che invita ad immergerti nel suono per avere un’esperienza di ascolto…

JL (ioar) In genere non mi piace discutere il “significato” delle cose. Non perché non hanno significato per me: semplicemente lo fanno. “A Guide to Drowning” ha diversi significati. Non penso nemmeno che il significato o i significati che ricavo dal mio lavoro siano quelli “corretti”. Credo che altri possano avere un significato completamente diverso e per me è sia interessante che divertente. Mi piace l’ambiguità e non solo penso che possa tendere ad aumentare il potenziale di rivisitazione di un’opera per estrarre continuamente nuove sensazioni o nuovi significati, ma che dia all’ascoltatore il potenziale per essere un co-creatore nell’esperienza e questa è un’idea molto importante per me. Mi piacerebbe essere parte di qualcosa che stimola la creatività nelle persone, sia che si tratti della creazione di un’idea personale sul significato di una determinata cosa, o che sia dato a qualcuno lo slancio per iniziare a creare il proprio corpo di lavoro, comunque ciò che potrebbe prenderne forma. Detto questo, mi piace molto la tua interpretazione del titolo. In realtà è qualcosa che non avevo considerato personalmente, ma è sicuramente appropriato. È proprio così, il tuo significato ora diventa parte del mio.
Nel frattempo sono tornato a lavorare sulla prossima uscita che spero (enfasi sulla speranza, nessuna garanzia) di realizzare entro la fine dell’anno e questa volta sto cercando di stampare anche su vinile senza abbandonare lo special packaging… ho alcune idee.

DISCOGRAPHY

Gravity Throttle “Compression / Low” ‎(7″, Piece Of Mind, 1992)
Eighth Cranial Nerve “5th And 9th And 12th / ? Y ?” (7″, Amorpho Phalli, 1994)
io “io” (cassette, 2000)
Father io “The Costa Mesa / Thailand Tapes” (EP, CDr, 2006)
io “At Land” (CDr + DVD, 2007)
Father io “Tundra Bone for Teeth” (CDr, 2007)
Father io “Balance is the Fifth Star” (CDr, 2007)
io audio recordings “2015” (CDr, USB drive, 2016)
io audio recordings “2016” (CDr, USB drive, 2017)
io audio recordings “2017” (CDr, USB drive, 2018)
io audio recordings “I Can Hear The Hiders Coughing” (CDr, USB drive, 2019)
io audio recordings “A Guide to Drowning” (CDr, USB drive, 2021)

Una risposta a “io audio recordings (US) interview”

  1. English translation…

    io audio recordings
    THE HARMONIC DISTORTIONS’ GUIDE TO THE GALAXY
    by Giampiero Fleba

    A real surprise immersed in the Bandcamp multiverse and wrapped in mysterious packages, codes, splendid music. Something that is expressed in space rock language with a psych-shoegaze freakbeat-fuzz reverberated guitar, dances to the rhythm of an irresistible krautrock motorik and floats in electronic frequencies. Consistent over time. Because with a self-produced discography of 5 albums it is no longer possible to neglect io audio recordings and its creator Jonas Laster from Orange County, California. The latest work recently published is “A Guide to Drowning”, a journey into the five dimensions of ‘Wolf Spider Jr.’, ‘Phase Transitions’, ‘The King of Sunlight’, ‘Just to Keep You Awake’and ‘A Guide to Drowning’. A galaxy in which to see the Neu 4/4 beat of ‘Hallogallo’, the distorted swarms of ‘Radial’ by Loop and ‘Revolution’ by Spacemen 3, the tribal percussion of ‘Moonset’ by the Flying Saucer Attack but above all ideas of dynamic, contemplative, experimental, polyrhythmic music where the shaping action of the sonic agents is a continuous variation. A real surprise is also talking about it with Jonas Laster in this pleasant remote conversation, starting from when it all began…

    JL (ioar) Well, I’ve always been attracted to sound and music ever since I was a child. One of my favorite toys as a kid was a reel to reel tape recorder and I started learning how to play the trumpet when I was in the 2nd grade… so I was maybe 8 years old? I don’t recall exactly but I do remember that I actually wanted to learn the trombone but my arms weren’t long enough! It wasn’t until I was maybe 17 years old when I decided I wanted to play the bass guitar and it wasn’t too long after that I joined my first band Late to Church, a covers only band with a pretty eclectic set list. As this was all in high school, it ended when we all graduated and left for college. My first band in college was called Sunshine Truck where I still played bass and also sang. I remember someone actually comparing us to Killdozer at the time. At some point Sunshine Truck broke up and afterwards I started Gravity Throttle with a couple friends of mine, where I played guitar and sang. It was during this time that my love affair with guitar effects began and it isn’t a coincidence that this was my first excursion into a psychedelic/fuzz type sound. We were pretty big Loop/Spacemen 3 fans. Gravity Throttle released one 7” single on the Piece of Mind label and then by my recollection broke up shortly thereafter. After that I started Eighth Cranial Nerve with another group of friends. 8CN still used a liberal amount of guitar effects, but had a more semi-dissonant sound perhaps akin to Sonic Youth. It was during this time that I became very interested in experimental, avant garde, drone, ambient, etc… and io was born out of that. 8CN released a 7” single, I released a cassette as io and then it all stopped when I moved to China where I lived for not quite a year. Upon coming back I felt really disconnected from the music community as most of my musical friends had moved away, stopped playing, etc… So from then on all my musical output just became solo ventures. I was still doing io, which was my more ambient/experimental project and I had created 10,000 Volt Ghost which is probably the closest relative to my current sound as io audio recordings, probably in no small part due to the fact that I really started learning recording software and how to use the studio as a tool. It was also during this time that my interest in sonic experimentation paid off and I got a job as a sound designer for a video game company making voices for creatures, sounds for magical spells, ambiences for worlds, etc…. It’s still what I do for a living to this day. It was also around this time that I befriended Brian Lucas who at the time was living in Thailand. Both Brian and I grew up in the same area as kids and as a result we had some mutual friends, one of whom encouraged me to reach out to him because we shared similar interests. So I did and Father io was born first as the result of trading recordings back and forth via the internet and then later as improvisational jamming when Brian moved back to the states and lived only a few blocks from my apartment. Eventually Brian tired of Orange County CA and moved to Oakland where he became a member of the Dire Wolves as well as continuing his Old Million Eye project as well as his very excellent paintings. Finally I put out the final release under the io moniker. The release was called “At Land” and came in a wooden box that had been branded with the album art and then wrapped with a burlap and copper foil strap. This was my first foray into special packaging. After that, I stopped working on music for awhile and focused on my career. It was maybe a couple years later that I got the itch to do music again. However this time instead of keeping my rock leanings and experimental leanings somewhat separate, I decided I wanted to find ways to combine them. Hence io audio recordings was born.

    How did the idea of playing as one man band?

    JL (ioar) Playing as a one man band wasn’t really so much an idea as just the product of how things were at the time. As mentioned, when I got back from China I didn’t really have any musical contacts anymore. While I was in Gravity Throttle, 8CN, etc… I also worked as a manager/buyer in local independent music shops and as such I came into contact with all kinds of people who were involved in music one way or another. At that time it was much easier to find people with similar musical tastes to my own which is an important thing here where I live because those types of people are otherwise hard to find. Most people just want to do the standard rock thing, the punk thing, etc… and that’s fine. I like those things. They just aren’t what I want to pursue. So basically I do things on my own because I don’t know of anyone else who lives in the area and wants to do the same sort of things that I do.

    The name io audio recordings is rather suggestive, is there a particular meaning such as input / output or inner / outer?

    JL (ioar) The name io audio recordings is born out of the name io, which came to me a long time ago and stuck precisely because it didn’t have a singular meaning. Io is a moon of Jupiter. There are the references to input / output and inner / outer that you mention. The line and the circle have been used as the symbols for the male and female principles in certain traditions. The power switches on many devices are marked with “I” and “O” to represent on / off. The list goes on. The more I discovered, the more I liked it and so the name “io” stuck. I decided to amend “audio recordings” to it because I felt that my current musical output was different from what io had been, I had found “io” was being used by at least a couple of other bands at the time, “io” was kind of impossible to search for, and really… I just liked the sound of “io audio recordings”. It was interesting and different to me and still held on to that sense of ambiguity that I like.

    What inspired your interest in experimenting in krautrock, psychedelia, shoegaze and space rock directions?

    JL (ioar) I guess if I’m to be honest, I never really set out to experiment with krautrock, psychedelia, etc… What I do is just an extension of drives I’ve had ever since early childhood. I have always been interested in weird and surreal things. As a child, my favorite books were encyclopedias and art books and it was through things like those that I discovered people like Salvador Dali and saw 60’s psychedelic art and I had an immediate attraction.
    Musically speaking, I can remember being very young and having formed this conception of rock and roll as being this really way out, crazy thing. I don’t know where that came from because I didn’t really have much if any exposure to rock and roll at all. My parents only had one rock and roll record in their collection “Meet the Beatles”. Otherwise it was all this terribly sappy stuff like Johnny Mathis and whatnot. Maybe I had some exposure to it on the television or something but honestly my tv watching time was pretty regulated and limited. So I have no idea where this idea of rock and roll came about. All I know is that I actively sought it out. I really wanted to find and experience this thing that as far as I can remember, is the product of my early love of surrealist/psychedelic art fused with my very active imagination. So at first it was that Beatles record, and oddly enough… some Martin Denny records that my parents had because it had people making these strange jungle noises and whatnot on them. But honestly it wasn’t until I was in the 6th grade where I got exposed to the 1st Van Halen record and “Highway to Hell” by AC/DC that I felt like I had first come across something that was really starting to match up to my ideal of rock and roll and I think there are two reasons for that. First I think it’s because I’m very attracted to riffs. I think I’m much more attracted to rhythm than I am to melody. Second… I am very, very attracted to the sound of distorted guitars. To this day the distorted guitar is my favorite sound in the whole world. In fact I just love distortion in general, but to me it’s best when applied to a guitar. In any case what was always missing was the sense of the music being “psychedelic”. It took a long time for me to finally find music that fit that bill. I mean I was going down a road where things were getting crazier. I went from hard rock to punk rock, then from punk rock to post punk and it was getting wilder and weirder, but it wasn’t psychedelic (to me at least). It wasn’t until I first head Loop and Spacemen 3 that I had finally started to feel like I had found what I had been looking for. That stuff was a revelation. It was the culmination of everything I had been actively looking for at the time… distorted guitars, riffs, but also a sense of experimentation and space that was lacking in everything I had heard prior. I’m also a big Flying Saucer Attack fan and was lucky enough to have discovered them early when their first record came out. In my opinion It’s a great example of how you don’t need professional and polished production on a record for it to sound good. Four track / lo-fi recordings can evoke an atmosphere or feeling that is completely appropriate in some situations. Early Zoviet France albums are another good example.

    Indeed your music reflects echoes of great English bands like Loop, Spacemenn 3 (and later offshoots) that reinvented psychedelic sound in the 1980s. Pioneers of shoegaze experimentation and rock drone of extraordinary relevance. Is there even something American about your sound? At times it reminds me of the guitar style of Helios Creed ..

    JL (ioar) I’m also a big Helios Creed/Chrome fan but admittedly I was a bit late to that party. I was a big fan of Amphetamine Reptile Records in the 90’s so I pretty much automatically picked up Helios Creed’s “The Last Laugh” when it came out and was immediately blown away which as always would send me on a journey to collect everything I could, and that’s what led me to Chrome.
    So really I guess what I’m saying is that I really I do what I do because of those three basic principles… distorted guitars, riffs, and experimentation, three things that most seemed to best suit these sorts of internal drives I had as a kid. The styles of music you reference were all things that I gravitated to because they in some way conformed to what I had been sort of hearing in my head for a very long time, and those styles of music certainly helped inspire me in more concrete ways than perhaps my imagination had delivered, but I never consciously set out to do music in a particular category or style. Ultimately I just set out to create what feels right to me.

    How does your guitar style flow into the assembly work that shapes your music during the recording stages?

    JL (ioar) I primarily consider myself a guitar player. As I said… distorted guitar is my favorite sound in the world. However when it comes to making my music, all sounds are fair game. I’ll use synthesizers, samplers, field recordings, anything really. I honestly take the saying “That’s music to my ears” very literally.
    As for my recording proces, that’s a really big topic. It changes all the time. The basics typically involve me playing/recording something. So it’s really hard to go into detail about this sort of thing without specific examples. That sort of “muzak” bit at the end of “The King Of Sunlight” is just a recording I made of a high school marching band that pitched down, added verb and so lo-fi sounding eq. The stuttering guitar on “Just To Keep You Awake” is me playing a distorted guitar riff through a repeater effect. I could go on and on. I utilize a ton of techniques and there tends to be a lot going on in any given song so there’s a lot of different things to talk about.

    Do you have your own studio and do you personally take care of the creation and manufacture of your works?

    JL (ioar) Yes, I have a modest little studio here in my home for recording and when I say little… I mean little. I could never fit a full band in it, but it’s totally fine for just me. I also have my studio/workshop out in the garage which is where I make all of my artwork like what you see for the limited edition USB stick releases.

    Can you tell me about your previous 4 albums, their creative path and how do you perceive them now?

    JL (ioar) All my previous records share the same creative path that A Guide To Drowning followed. That is, I just get general ideas on a song to song basis and I just tend to follow my instincts/emotions until it’s done and then it’s on to the next song. I wanted to incorporate some sound design into a song so I created the beginning to ‘Distortion Filter vs. Reality’ and then the rest of the song just kind of organically formed itself around that. I really wanted to showcase my love for drone, and I liked the concept of having a typical song structure kind of morph into a drone and that became ‘Passed Out In The Psychic Yard’. I don’t really write songs with the intent to make it “about” something. It’s much more vague than that. I start usually be either wanting to express a musical style that I haven’t touched on in awhile or I start with a processing idea that I’ve had. Then the songs just form organically out of those things. It’s not uncommon for a song to totally veer away from whatever the original impetus to do the song in the first place was because my instinct/feelings began to lead it elsewhere or because some unexpected discovery or happy accident occurs and that just inspires me in a whole different way. The bottom line is that it’s all just about both following my gut, but also observing and challenging those feelings as well.

    How do these albums differ from each other?

    JL (ioar) Where the previous albums differ is in terms of production value. Early on I just wanted to write songs and I didn’t really want to concern myself much with recording quality or whatever. This is particularly true of 2015. I wrote 20 songs in a year for that release so obviously I didn’t spend a lot of time really trying to polish the production on those. The thing was that I spent so much time at work polishing up sounds and being mindful of the end result in that way that I just wanted a break from that.
    That changed however when at one point I had found out that a song from one of my releases had been part of a podcast that came out of Greece. It was then that I started to realize that maybe it wasn’t just a small circle of friends that was listening: here someone that I didn’t know, someone who lived halfway around the world who had discovered my stuff. Furthermore, in listening to the podcast was the first time hearing my music sandwiched in between songs by other artists and it just sounded awful to me. It just sounded so weak by comparison. So it was at that point that I decided to change that. The first release that fully displays those efforts is “A Guide To Drowning”. It’s part of the reason why that particular release took so long to put out. I spent an obscene amount of time really learning how to best present my stuff. I made a lot of mistakes along the way, I mixed and re-mixed songs a crazy amount of times, but in the end I learned a lot about how to mix all those guitars (which is considerably different than mixing a handful of short sounds for my job) and I’m pretty happy with the result. The hope is that now I have a better sense of what I’m doing, the next release won’t take so long.

    How did you conceived “A Guide to Drowning”? The title suggests something that invites you to immerse yourself in the sound to have a listening experience..

    JL (ioar) I’m not generally keen on discussing the “meaning” behind things. That’s not because they don’t have meaning to me: they do. In fact for me, “A Guide to Drowning” has a number of different meanings. I don’t however subscribe to the idea that the meaning or meanings I derive from my own work are the “correct” ones. I think that others can get totally different meaning and to me that’s both interesting and fun. I like ambiguity and I not only think that it can tend to increase the potential for revisiting a piece of work in order to continually extract new feelings or new meanings, but I think that it allows the listener the potential to be a co-creator in the experience and that is a very important idea to me. I’d love to be a part of something that sparks creativity in people whether it’s the creation of a personal idea as to the meaning of a given thing, or it’s given someone the impetus to start creating their own body of work, however that might take form. That being said, I really like your take on the title. It’s actually something I hadn’t personally considered but it is most certainly fitting. And just like that your meaning now becomes a part of my own.
    For now, I’m back to work on the next release which I hope (emphasis on hope, no guarantees) to have out sometime later this year and this time around I’m looking into pressing vinyl not going to forsake the special packaging though… I have ideas.

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