Davide Cedolin (IT) interview

DAVIDE CEDOLIN

THE ACOUSTIC SOUND OF EXISTENCE

di Giampiero Fleba

 

In cima alle colline liguri profumate di vita, davanti a un cerchio di pietre con un piccolo fuoco, sullo sfondo del cielo pronto a dissolversi nelle stelle. Dentro la copertina di “Embracing the Unknown”, nuovo album del chitarrista genovese Davide Cedolin. Dentro il suono di questo musicista poliedrico, dopo le esperienze post rock / ambient-elettroniche / world-cameristiche con Japanese Gum e TRÓNCO, nella sua attuale dimensione acustica avviata all’inizio del 2020 e ispirata dal prodigio e dalla meraviglia della natura. Una presenza nel ciclo della creatività folk visionaria che sta animando la musica underground e che Davide Cedolin esprime attraverso un flusso poetico di coscienza ambientale. Il respiro delle radici si espande con un soffio di magia folk blues irradiando note in un successivo rifiorire di arcobaleni e arie ricurve, tra riflessi minimali, psichedelia e intenso songwriting. Gemme di rugiada nelle avvolgenti soluzioni armoniche di tre mini album che sublimano in finissime iridescenze avant-psych-folk generate da “Embracing the Unknown”. Un album appassionante a cui collaborano diversi musicisti anche nel rivelare un mondo di relazioni e amicizie nel percorso artistico di Davide, nel suo racconto in una piacevole conversazione a partire da quando tutto ebbe inizio…

Qual’è il tuo background musicale?

(DC) Un passaggio fondamentale che mi ha formato a livello di educazione all’ascolto è stata la fortuna di vivere gli anni dell’adolescenza in una cittadina della riviera ligure, Varazze, che a quel tempo aveva un incredibile negozio di dischi indipendenti, Distorsioni. Luca (il proprietario) mi ha iniziato a tantissimi ascolti apparentemente scollegati che mano a mano col passare degli anni hanno intersecato e definito i miei gusti musicali. Frequentavo assiduamente quello che per me era diventato presidio culturale: i clienti e gli avventori, di vari stili e gusti musicali mi dettero accesso e mi introdussero ad ascolti molto eterogenei. La prima volta che entrai, i miei dischi preferiti erano: “Harvest” di Neil Young (ereditato in copia originale da mio padre), “Vitalogy” dei Pearl Jam che comprai in cassetta insieme a “Pet Sounds” dei Beach Boys e “Disintegration” dei Cure. Conobbi il punk, la new wave, il post hardcore, il noise, qualche anno andai in fissa con dub prima e shoegaze poi; ad un certo punto impazzii per i Sonic Youth, Jim O’Rourke, June of ’44, folk e musica acustica, il post rock e l’elettronica ambient fino a ricondurre il ciclo degli ascolti ad aree geografiche in periodi storici particolari, tornando alla musica acustica attraverso quella tradizionale; mi avvicinai a Jack Rose (via Pelt) prima e John Fahey successivamente in un momento in cui ero arrivato a saturazione di suoni super prodotti e molta elettronica. Da lì si aprirono moltitudini di possibilità e di nuove prospettive. La musica primitiva nordamericana è stata importantissima per sviluppare l’idea di suono che ho oggigiorno. È affascinante pensare quanto sia principalmente musica antica ad aver stimolato in me una tale rivoluzione viscerale, che mi ha portato a navigare a vista in oceani ignoti dove penso che il concetto di radicalismo acustico dovuto all’epoca, sia stato il reale e principale propulsore che mi ha guidato verso una certa visione.

Come residente a Genova quanto hai colto dalle esperienze storiche di cantautori, gruppi o movimenti che ha espresso la tua città?

(DC) In tutta onestà non non sono un esperto delle varie esperienze storiche cantautorali locali, apprezzo Bindi così come alcuni lavori di De Andrè, senza essere un grande conoscitore in generale di cantautorato italiano. Di contemporanei cito volentieri Enrico Bosio degli Enroco, di cui amo lo stile asciutto e spigoloso di scrittura che ben si accompagna con il calore della voce.

Cosa ti ha spinto verso la chitarra acustica?

(DC) La necessità di arrivare al fuoco dell’interesse, stabilire un rapporto diretto, concreto e sincero con quello che avevo attorno. Volevo che la mia vita musicale combaciasse a quella regolare di tutti i giorni e viceversa. Il vivere in determinati luoghi per scelta mi ha portato ad abbracciarne l’essenza, ad allontanarmi dalla frenesia, dalle ansie, e a connettermi con l’ambiente circostante. Ovunque cammini, immagino sempre una colonna sonora. Cerco di riprodurla il più possibile in modo fedele.

Quali sono i tuoi chitarristi o musicisti / gruppi di riferimento? Con quali chitarre suoni?

(DC) Ho dei riferimenti di vari, alcuni di tipo immaginario, altri tecnici od emotivi. Per esempio amo le abilità di William Tyler nel dipingere scenari espressionisti nei suoi brani, molto visivo. Ho seguito recentemente un suo workshop dal titolo “Cosmic Pastoral Guitar”, l’ho trovato molto interessante per come è stato affrontato il concetto di immaginario sonoro. Nella mia idea di suono, viene prima la suggestione seguita dall’atmosfera, alla fine la struttura. Steve Gunn è stato cruciale per me, per come durante il suo percorso sia riuscito a risolvere gli equilibri e i dilemmi tra canzone ed improvvisazione. Credo sia importante mantenere l’attenzione sull’obiettivo finale, nel mio caso l’atmosfera; dentro le cose possono essere arrangiate in infiniti modi diversi, ma è l’atmosfera l’elemento che personalmente reputo imprescindibile. Ryley Walker è incredibile per come riesce ad essere umile nell’arrangiamento nonostante sia in possesso di una tecnica devastante; trovo adorabile Yasmin Williams la per la sua dolcezza armonica oltre che per la bravura. Aggiungo Daniel Bachman e Gwennifer Raymond per la potenza di suono e le performance furiose e selvagge. Ho da tanti anni una Fender acustica elettrificata di non grande qualità che è stata però la mia fedele compagna dalla fine del liceo. L’anno scorso ho invece acquistato quella che con ogni probabilità sarà la chitarra della vita, una Guild D-35 del ’73.

La tua musica trae grande ispirazione dalla Natura, parlami di questa comunione artistica, del suo percorso creativo. Come definiresti la tua musica?

(DC) Posso affermare che ne sia debitore totalmente. Non fosse stato per i limiti tecnologici meravigliosi che si hanno a suonare in un bosco o in riva ad un fiume, la mia musica sarebbe nata e si sarebbe sviluppata secondo altri presupposti. Quello che mi sono prefisso è stato di fare musica che possa avere un’autonomia acustica. Poter suonare ovunque senza preoccuparmi di cavi, alimentatori, ampli, etc, è stata la più grande conquista che ho ottenuto da quando suono. Sembra banale, ma avendo suonato musica prevalentemente elettronica fino a cinque anni fa, questo risvolto è stato il più importante nel determinare il mio percorso. Volevo essere onesto nel senso puro del termine e far coincidere il mio stile di vita con la musica che facevo. Non mi andava di passare le giornate nei campi, al fiume, nei boschi e poi dovermi chiudere in uno spazio compresso fatto di cavi, led e prese. Volevo che emergesse il senso dell’esistenza, non un’estetica preconfezionata. Sono convinto che sia importante far coincidere le proprie idee con i fatti, la propria coscienza con l’immagine che gli altri hanno di noi, perché è quella che noi diamo loro; non amo le ambiguità intellettuali, le trovo una paraculata borghese utile a non assumersi la responsabilità di quello che si dice o si crea.

Le problematiche ambientali ci fanno capire come non sia più possibile ignorare che la Natura e l’ambiente sono la nostra esistenza. Come vedi la possibilità di una rivalutazione culturale nel rapporto con gli altri esseri senzienti del mondo animale e vegetale di questo pianeta? Pensi che i movimenti ambientalisti di oggi (il Fridays For Future di Genova è tra i più attivi in Italia) riescano a fare breccia nelle coscienze dei giovani?

(DC) Ho abbracciato la scelta vegetariana da sei anni circa con regolarità ed integralismo, prima lo ero stato già per una decina con morbidezza e diversi momenti di pausa. La differenza l’ha fatta la motivazione guida. In età giovanile ero mosso da motivazioni politiche prima e salutistiche in secondo luogo, ma non avevo mai vissuto a contatto con animali non da appartamento. Ho vissuto con una capra ed una pecora, attualmente sono a contatto con asini, oltre agli animali selvatici ed il mio totem, Mythos, che è un gatto nato in appartamento e rinselvatichito negli anni. Ho conosciuto sufficientemente gli animali per capire che mangiare un pollo ma non un cane, è in un certo qual modo una scelta classista, che non nobilita la persona. Come allevare animali in modo “etico” o “sostenibile”.. si tratta di tradimento nei confronti di esseri viventi che vengono ingannati, le cure amorevoli che ricevono sono palliativi di una fine prestabilita. Credo sia importante essere consapevoli delle proprie scelte, siamo le scelte che facciamo e visto che si sbaglia sempre nella vita, tanto vale farlo stando bene con la propria coscienza senza dare adito a principi necessariamente universali. Credo che sia basilare riuscire ad essere onesti nell’esporsi senza edulcorare la realtà, anche se il marketing può portare a non pensare che un hamburger sia un pezzo di vacca e che il prosciutto sia coscia di maiale. Anche l’agricoltura intensiva e le monocolture sono un problema serio, in una visione ambientale d’insieme, al pari della dieta onnivora. Certe tecniche di coltivazione, anche se biologiche, prevedono operazioni devastanti sull’ambiente, come i disboscamenti delle foreste pluviali per creare sterminati campi di quinoa. Ci sono tanti modelli possibili, ma se vogliamo ambire ad un benessere naturale ed ambientale ne esiste uno solo, che non dovrebbe neppure essere raccontato né spiegato teoricamente.
Le nuove generazioni sono sicuramente più disilluse, hanno dalla loro la possibilità di scegliere come formare le proprie sensibilità e di informarsi maggiormente, e fortunatamente le cose si stanno muovendo bene in questo senso. Tuttavia, la tendenza politica bi-polaristica si accentua proprio nelle nuove generazioni, c’è una tendenza a radicalizzare i principi per creare delle macro aree culturali di appartenenza. Certi paradigmi economici stanno crollando ma vengono fatti sopravvivere da altre nuove forme di conservatorismo antropocentrico. Temo che l’unica variabile che potrebbe diventare discriminante in senso collettivo e politico sia quella economica. Quando non sarà più conveniente estrarre petrolio, o quando mangiare sano non verrà più associato allo status quo della dieta onnivora, probabilmente ci potrà essere un’onda verde, che sarà indubbiamente a sua volta soggetta a strumentalizzazioni e speculazioni se il sistema capitalista dovesse sopravviverne in qualche modo. Quando si capirà che riciclare ha dei costi, e riusare no, probabilmente si creeranno nuove economie più circolari. Ma smuovere coscienze collettive e sistemi economici richiede tempo. Siamo ancora ancorati ad un capitalismo deforme e ciondolante come unica alternativa maggioritaria ad un governo non democratico. Dovremo fare ancora parecchia strada, ma il fatto che se ne parli sempre di più, è rincuorante.

Curiosità: nella tua musica ho notato che non ci sono particolari riferimenti al mare, elemento vitale nella geografia ligure. O mi è sfuggito qualcosa?

(DC) E’ una cosa a cui ho pensato anch’io diverse volte. In realtà è casuale che faccia pochi riferimenti al mare tra i miei brani; mi vengono però in mente ‘Light Blue Rocks’ che immagina l’impatto delle onde sulle rocce turchine liguri come metafora della ciclicità, di come le cose spesso cambiano per rimanere le stesse oppure ‘An Echo’, che con i tonfi dei container del porto al tramonto mi ricorda la vicinanza al mare anche in una zona collinare. Il mare è un protagonista naturale e legittimo della Liguria, e nei miei intenti c’è quello di tributarlo in futuro, maggiormente.

Parliamo dei tuoi lavori pubblicati su bandcamp. “In the Valley with the Mules” espande temi folk-blues con una precisa impostazione stilistica dinamica aperta. C’è un luogo, una dimensione, dei musicisti che lo hanno ispirato?

(DC) Lo scorso anno verso inizio aprile mi resi conto che il disco al quale stavo lavorando (“Embracing The Unknown”) a causa del primo lockdown avrebbe vissuto rallentamenti non quantificabili. A quel punto decisi di fare uscire un EP che potesse avere immediatezza di realizzazione. A fine mese per il compleanno, la mia compagna mi regalò un registratore Zoom H5, che tutt’ora è la mia sorgente di ripresa domestica e di field recordings, che mi permise di concretizzare. Sono quattro composizioni che sono dei collage di giri e riff scritti senza una struttura di canzone. Dopo, le parole e le melodie cantate le hanno inquadrate.
Le ispirazioni provengono da Fred Neil, Sandy Bull, Jackson C. Frank e ovviamente John Fahey.

Alla fine del 2020 realizzi “Season Creep” dove sviluppi sonorità più rarefatte. Un procedere lento e avvolgente, un perdersi in placida solitudine. Raccontami di questo lavoro…

(DC) “Season Creep” si è creato da sé, i pezzi sono venuti molto naturalmente, li ho scritti e registrati in qualche giorno, non volevano essere un EP inizialmente, ma al termine del mix mi sembravano omogenei e complementari, quindi li ho raccolti insieme.
Il mood del disco è malinconico, l’autunno inoltrato ha luci tenui, l’aria inizia ad essere fredda e umida, i boschi si spogliano e le giornate si accorciano.. credo che anche il titolo in un certo senso lo definisca implicitamente, il creep stagionale è come l’anticipazione della stagione seguente, in questo caso l’inverno. La solitudine ha un ambivalenza forte. Si può detestare e fuggirla come necessitarla e bramarla. Si può anche assisterne le evoluzioni aspettando, senza giudizio, e cercare di usarla.
Come una volta mi disse un caro amico che non c’è più, riguardo la musica del suo gruppo: “Mi piace che ci sia come un sorriso nell’ombra”.

All’inizio del 2021 esce Guitar Meditations “In C”, un altro notevole mini album che realizzi in compagnia di Tito Ghiglione. I temi rarefatti del lavoro precedente entrano in una dimensione contemplativa minimalista evocata a quattro mani in un reiterante fluire di corde. Emerge chiaro l’omaggio a Terry Riley anche nella ricerca sulle qualità spirituali che una forma d’arte possa incarnare…

(DC) Questo album è composto da quattro estrapolati di un’operazione musicale diversa rispetto alle precedenti. Sono tutte improvvisazioni, che hanno documentato un momento specifico, in cui l’interazione tra i due interpreti si è creata appositamente ed ha avuto vita nell’estemporanea del momento. Terry Ryley è omaggiato per la tonalità di esecuzione prevalentemente. Amo creare dialoghi estemporanei con lo strumento, sia in solitaria, sia in compagnia. Ho avuto esperienze simili anche se non pubblicate o registrate, in contesti non domestici, in una galleria d’arte, a distanza, e con altri musicisti come Tommaso Rolando e Paolo Tortora. Lo ritengo un ottimo esercizio di concentrazione/perdizione, entrare in contatto con il presente che accade, specialmente con altre persone coinvolte quando possibile, è molto simile allo stato meditativo, in cui sparisce tutto, pensieri, emozioni, immagini, passato, futuro: nella meditazione ci si aggrappa in un certo senso al vuoto come spazio, in questo caso invece è lo spazio del suono l’unica verità a cui ci si può aggrappare.

Oggi esce il tuo nuovo album “Embracing the Unknown” in digital download e a Settembre su vinile pubblicato da Torto Editions e Marsiglia Records. Ancora una novità nel suono sviluppato in compagnia di una vera e propria band. Parlami dell’idea che lo ha ispirato, dei musicisti, delle etichette, delle sintonie nello sviluppare il percorso creativo di questo lavoro…

(DC) I pezzi di “Embracing The Unknown” sono stati scritti a cavallo tra 2019 ed inizio 2020 con l’idea di realizzare un disco acustico, con prevalenza di chitarre acustiche e voce, con pochi fronzoli ed arrangiamenti. Ma le cose vanno fatte respirare di vita propria, e gradualmente, partendo dai contributi di registrazione di Tommaso Rolando che poi si sono ampliati ad alcune parti di contrabbasso ed organo per un paio di brani, ho iniziato a visualizzare i brani in modo diverso, in un insieme di sound che potesse caratterizzare in modo più preciso e strutturato le canzoni. Conseguentemente ho pensato che con dei bassi presenti avrebbe avuto senso avere delle ritmiche di batteria e non solo qualche percussione, così sono entrato in contatto con Ryan Jewell che si è dimostrato entusiasta di lavorare al disco. Poi sono arrivate le chitarre elettriche, che volevo fossero caratterizzanti degli ambienti e dei mood. Paolo Tortora è stata la prima persona a cui ho pensato per questo, lo conosco da tanti anni e sono un fan della sua ricerca continua a livello di soundscape. Ha creato le condizioni “metereologiche” del disco. Successivamente sono arrivate la freschezza del clarinetto di Tito Ghiglione, l’organicità del piano elettrico di Rocco Pietro Spigno, le campane oniriche di Caterina Rolando e i suoni casuali di Mythos che ho deciso di mantenere nel mixaggio. Torto Editions è un’etichetta genovese di cui Tommaso è il deus ex-machina. Intorno a lui siamo un po’ di persone coinvolte che supportano il lavoro. Il focus della label è su musica sperimentale, ma non necessariamente. C’è un’idea trasversale alla base del progetto, ci sono elementi comuni in tutte le uscite, anche se molte non si assomigliano. Lo trovo bellissimo. Anche Marsiglia Records è genovese ed è curata da Matteo Casari. E’ una etichetta longeva che tratta una vasta gamma di musica, con un occhio speciale sulle novità locali.

Una dimensione elettroacustica accende dinamiche fantastiche psych folk specialmente in canzoni come ‘Loosey’, ‘Destination Unknown’, ‘An Echo’ e ‘Vanishing Sky’. Inni alla bellezza della natura, al perdersi di fronte al mistero. Parlami di questa svolta ‘psichedelica’ del tuo suono. Qualcosa a cui ti sei ispirato o che era già in svolgimento?

(DC) Il sound psichedelico era in un certo senso già presente nell’intenzione precedentemente, ovviamente al momento del realizzarsi della possibilità di lavorare con altri, ho pensato alle persone in base alle loro caratteristiche, e a che tipo di arrangiamento ed impronta volevo dare al disco. Come già ti dicevo prima, volevo che ci fosse un’atmosfera ben precisa, è l’unica cosa che avevo in mente da quando il lavoro è diventato corale. Ho voluto dare rilievo alle chitarre acustiche e alle voci, ma allo stesso tempo volevo che dondolassero in equilibrio con gli altri strumenti. Per cui l’ambiente psichedelico si è creato dalle pieghe dei pezzi in modo spontaneo, diciamo che c’era spazio per certi arrangiamenti e certe scelte che quindi sono risultate logiche alle mie orecchie. Ho rispetto verso l’ignoto, il mistero, ma ne sento grande attrazione. ‘Destination Unknown’ è un po’ la summa di questi concetti. ‘Loosely’ è serena nel suo andare, disillusa e pacifica. ‘An Echo’ viaggia su binari sgangherati, ha una traiettoria, ma deviata in continuazione. ‘Vanishing Sky’ è un pezzo di genere se vogliamo, e mette in gioco alcuni stereotipi della vita agreste e rilassata.

Molto bella anche l’unica presenza acustica strumentale che in qualche modo si collega ai tuoi precedenti lavori: ‘Silver Pines’ percorsa da un field recording di cicale. Dov’è questa pineta, rappresenta qualcosa per te? Hai registrato anche la chitarra all’aperto magari sotto i pini?

(DC) ‘Silver Pines’ prende il nome da una piccola collinetta con un prato vicino a casa dove ci sono dei bellissimi pini argentati ad ombreggiare. E’ un luogo in cui sto particolarmente bene, su un crinale dove a sud est si può vedere il mare e a nord-ovest i monti dell’Appennno. Le cicale sono state registrate con l’H5 in loco, la chitarra, per questioni di praticità l’ho registrata a casa, nell’ambiente giorno dove ho effettuato tutti gli home recording.

‘Rites Under the Moon’, ‘Woke’, ‘Silence’ e ‘Undust’ abbracciano sonorità più pastorali, avvolte da sviluppi intensi dove emergono percussioni ovattate, fiati, vocals distese, tastiere, mini-sinfonie Atom Heart Mother, incanti Opal-escenti, variazioni folk visionarie di grande suggestione. Parlami di queste canzoni…

(DC) I primi due brani che hai menzionato sono i primi che ho registrato del disco, e in un certo senso quelli che sento forse più lontani da come scrivo ora, ma allo stesso tempo ci sono molto legato. ‘Silence’ è l’ultimo pezzo scritto per l’album, ed è probabilmente il mio preferito, anche per il testo. Ha spazialità, circolarità, un tema principale che suonando con la band a volte si protrae per ore, come un loop molto lungo. E’ l’essenza del pezzo che prende piede sulla sua stessa forma. ‘Undust’ è il brano che tramite la tonalità ricongiunge il finale di “Embracing The Unknown” a ‘Loosely’, il primo. Mi piaceva l’idea di creare questo gioco di rimandi, e di moto perpetuo. Se ascolti ‘Undust’ e successivamente ‘Loosely’, questa ti sembrerà costruirsi poco a poco sulle ceneri di quella prima.

Ora ci gustiamo “Embracing the Unknown” e poi che succede nel futuro musicale di Davide Cedolin, farai concerti?

(DC) Nella mia routine c’è sempre spazio per suonare, e sto già registrando cose nuove per vari progetti. Attualmente sto iniziando a lavorare alla colonna sonora per un documentario sul Parco del Beigua, recentemente passato alla cronaca per le truci prospettive della giunta Toti, che vuole sfruttare il titanio presente nelle montagne e quindi trivellare un parco naturale. Ho qualche data estiva sia in solo sia con band, poi a settembre nascerà il mio primo figlio, successivamente quando sarò un po’ più libero, riprenderò l’attività live.

Photo by courtesy of Davide Cedolin

DISCOGRAFIA

“In The Valley With The Mules” (Bandcamp download, 2020)
“Season Creep” (CD & Bandcamp download, 2020)
Guitar Meditations “In C” (Bandcamp download, 2021)
“Embracing The Unknown” (LP & download, Torto Editions / Marsiglia Records, 2021)

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